El festival presenta con Amnistía Internacional el fanzine ‘Nai dos Desterrados’ y organiza actividades en torno a la expo de cómic palestino

La exposición ‘Eclipse de Viñetas’ se prorroga hasta el 5 de noviembre en la Casa das Ciencias

A Coruña.— El festival Viñetas desde el Atlántico tiene hoy una programación especialmente intensa, que se abrió con la presentación del fanzine Madre Nai de los desterradosDesterrados, editado por el grupo local de Amnistía Internacional con el apoyo del Viñetas. En el acto, que se celebró en la Casa Museo Picasso, participaron el director del festival, Manel Cráneo, y Marga González, de Amnistía Internacional, así como tres de los autores del fanzine: Alex Yebra, Manuel Rial (Momia) y Mar Vieites. El número 8 de este fanzine centra todas sus historias en las personas migrantes y sus derechos, haciendo especial hincapié en el derecho de asilo.

Durante su intervención, el director del festival destacó la relevancia de las temáticas abordadas en este número 8 del fanzine. «Desde el Viñetas nos alineamos totalmente con esta temática, así como con todas las temáticas sociales, que son tan necesarias siempre pero que, justamente, están de triste actualidad con todo el que está sucediendo en Ceuta», afirmó, al tiempo que manifestó su agradecimiento al trabajo realizado desde Amnistía Internacional y reiteró su compromiso con esta línea de trabajo en la que cómic y reivindicaciones sociales se dan a mano por considerarla de especial relevancia. «Ese es el camino en el que queremos continuar», señaló.

Cráneo manifestó su agradecimiento a las Casas Museo municipales por su apoyo y a todo el equipo que trabajó para que este nuevo número del fanzine sea posible.

Marga González, por su parte, hizo una especial mención a todos los miembros del equipo de Amnistía Internacional que participaron en la elaboración del fanzine y a la autora Paula Esteban, por su trabajo e impulso continuos en este número. La representante de Amnistía hizo un repaso pormenorizado de los autores y autoras que participaron en esta publicación e invitó a los tres que participaron en el evento de hoy a que detallasen sus procesos creativos.

El número 8 de Madre Nai de los desterrados Desterrados cuenta con trabajos de Thais Forján, Alex Yebra, Momia, Isabel Peláez, Quico, Mar Vieites, Alba Ceide & Rosaria Ruffini, Reth, José Ángel Ares y Santy Gutiérrez.

La actividad matinal acabó en el festival con una visita guiada por la exposición Cómic palestino. Voces propias, grito colectivo de la mano de Pedro Rojo, presidente de la asociación Al Fanar, con la que colabora el festival en la organización de esta muestra. Fue una propuesta cargada de simbolismo, ya que contó también con la participación de un grupo de personas de Mali, y el apoyo de un intérprete al francés y mediador de la ONG Ecos del Sur.

La exposición, que cierra sus puertas este domingo en la Fundación Luis Seoane, recoge el trabajo de diferentes autores y autoras palestinos, desde diferentes lugares del mundo, pero en todas ellas se ofrece una reflexión sobre la situación de su pueblo. Se trata de un proyecto ideado por el Salón del Cómic de Valencia y la Fundación Al Fanar en colaboración con la Fundación Finestres y el grupo de investigación dx5.

Además de la visita guiada de la mañana, ya por la tarde, la actividad del Viñetas volverá a la Luis Seoane a las 19:00 con una charla de Pedro Rojo en la que hará una radiografía del cómic palestino en la actualidad.

‘Eclipse de Viñetas’ se prorroga hasta noviembre

Las actividades de hoy se suman a las otras 17 propuestas que la programación del festival incluye en este mes de septiembre, entre las que se cuentan talleres infantiles, dos rutas de la memoria, visitas guiadas a las exposiciones del Kiosco Alfonso y la sala Palexco y la presentación de la reedición del libro de cómic Jenůufa, adaptación de la ópera homónima programada en la temporada lírica por la asociación Amigos de la Ópera de A Coruña.

Mañana, sábado 26, a la mañana, dentro de esta programación, habrá una ruta de la memoria, en colaboración con la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH) que saldrá a las 12:00 del Kiosco Alfonso, y a la misma hora un taller de Los Simpson impartido por Chano Ripio en colaboración con Autobán, en la sala Palexco.

Pero el Viñetas todavía no cierra su propuesta para este 2026 hasta el mes de noviembre, ya que, aunque el resto de exposiciones rematan este domingo, la muestra Eclipse de Viñetas, ubicada en la Casa das Ciencias, permanecerá abierta hasta el 5 de noviembre. La exposición, que está despertando un gran interés por parte de los visitantes de los museos científicos coruñeses, recoge el trabajo de nueve autores y autoras locales y un invitado con historietas de dos páginas sobre el fenómeno del eclipse abordado desde diferentes perspectivas.

La muestra, en la que participan Diego Burdío, Paula Mayor, Marcos Calo, Paula Esteban, Uxía Larrosa, Jorge Peral, Xulia Pisón, Xulia Vicente, Luis Yang y Yordi Bayarri, fue la primera en abrir sus puertas en la edición de este año, el 3 de julio, y será la última en cerrarlas, el 5 de noviembre.

Los eventos, organizados en colaboración con la ARMH, permiten al público del festival descubrir detalles vinculados a la historia de la ciudad y a las huellas del golpe de Estado y de la dictadura en la comarca

A Coruña.— El festival Viñetas desde o Atlántico, en colaboración con la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH), organizó esta mañana la primera de las dos rutas de la memoria incluidas en la programación del festival que recorrió recorren la ciudad uniendo diferentes espacios expositivos del Viñetas con historias reales de represaliados, represaliadas y víctimas del franquismo y novelas gráficas. David Lozano, de la ARMH, condujo esta actividad que presentó el director del festival, Manel Cráneo, recordando la importancia de ahondar en temas como este, que supuso uno de los ejes del evento este año y que, tal y como recordó, “«por desgracia, siguen siendo tan necesarios hoy en día”.».

Cráneo aprovechó para recordar las diferentes exposiciones vinculadas a esta temática dentro de la programación del festival y que se pueden visitar hasta el 27 de septiembre en el Kiosco Alfonso y la Casa Museo Casares Quiroga, así como otras de temática social en la Casa Museo Picasso y en la Fundación Luis Seoane. “«Esto es tan sólo solo un aperitivo para seguir ahondando en temas tan relevantes como este”, », indicó, aspecto en el que también hizo hincapié David Lozano al final de la visita, en la que aportó ununa guía, elaborada por la ARMH en colaboración con el Viñetas, de diferentes novelas gráficas y espacios web que recogen información en torno a la memoria histórica.

En la visita, en la que participaron cerca de 30 personas y que se prolongó durante más de dos2 horas, se recorrieron espacios como los jardines de Méndez Núñez (partiendo de uno de los espacios expositivos del festival, el Kiosco Alfonso), la plaza de Pontevedra, la calle Orzán, la calle del Socorro, la calle Sol, la calle Real, y la calle CostaBeiramar, para finalizar delante de la Casa Museo Casares Quiroga, otro de los ejes del Viñetas de este año, que Lozano invitó a todos los y las participantes a descubrir por su relevancia histórica.

El representante de la ARMH no fue el único que intervino en este intenso recorrido, sino que contó con la colaboración de Beatriz Trillo, nieta de Beatriz González Villar, viuda de André García Ferreiro, represaliado por el franquismo; Rafael Toba, cineasta; María Xosé Bravo y Carmela Galego, de la Agrupación cultural Cultural Alexandre Bóveda; Pilar Otero, nieta de Josefa Paz, represaliada por la dictadura franquista.

Cada uno de ellos fue relatando las historias de sus familiares u otras como las del centro de estudios sociales Germinal (muy vinculada a la historia del anarquismo y su fortísima presencia en A Coruña), de la guerrilla y de las familias que la acogieron en la ciudad de A Coruña, la de artistas coruñeses represaliados, como Camilo Díaz Baliño (padre de Isaac Díaz Pardo), Francisco Miguel o Luis Huici. Hubo tiempo para hablar de proyectos como el de A Coruña Literaria y nombres como Ánxel Casal y María Miramontes, de revistas como Lar, Nós o Alfar.

Los representantes de diferentes entidades y familiares de personas asesinadas y encarceladas por el régimen franquista pusieron en valor el enorme potencial cultural que existía en la ciudad en el momento del golpe de estado Estado de 1936 y recordaron momentos terribles como las quemas de libros de espacios como la biblioteca del centro Germinal. Se revisaron detalles relevantes de la historia cultural de la ciudad y si se vincularon a novelas gráficas protagonistas de la edición 29 del Viñetas, como El O eco de los días rotos, de Alberto Taracido, o, Franco, de José Pablo García.

Programación de Viñetas en septiembre

El festival Viñetas, en su labor en los últimos años en pro de la desestacionalización, ofrece en sembro septiembre un total de 20 propuestas. Comenzando por un total de 10 visitas guiadas a las muestras Viñetas con Memoria memoria Socialsocial, en el Kiosco Alfonso, y De Archimboldo la Marcopola (de Jacobo F. S.) y Un paseo por Springfield. : Los Simpson en la colección de Raúl García, en la sala Palexco.

A estas propuestas se suma un taller infantil para cada sábado de este mes a las 12.00 h en la sala Palexco dentro de la programación de Viñetas Mini y en colaboración con Autobán. Los sábados 5 y 12 de septiembre, los pequeños y pequeñas participaron en la actividad “«Diseña un Simpson” para llevar contigo», de la mano de Xoana Pousa. En él crearán crearon merchandising con los miembros de la familia amarilla como protagonistas con su propio diseño. Y los sábados 19 y 26, también a las 12.00 en la sala Palexco, de nuevo de la mano de Autobán, rapaces chicos y chicas trabajarán con Chano Ripio en el taller “«Dibuja tu historieta de los Los Simpson”. ». Las propuestas lúdicas y creativas están destinadas niños y niñas de entre 6 y 12 años.

La actividad se mantiene hasta los últimos días del mes y se intensifica el viernes, 25 con hasta cuatro citas diferentes. A las 12.00 se presentará el fanzine Nai dos Desterrados, en colaboración con la asociación ONG Amnistía Internacional, en la Casa Museo Picasso y contando con la presencia de varios de los autores y autoras participantes en su elaboración.

Una hora más tarde, también el viernes, 25, en la Fundación Luis Seoane, Pedro Rojo, presidente de la asociación Al Fanar, conducirá una visita guiada por la muestra Cómic palestino. Voces propias, grito colectivo, que reúne obras de autores y autoras palestinos y que se incluye dentro de la programación de Viñetas Expo y Viñetas Inclusivas. Y también en el mismo espacio, pero a las 19.00 horas, el presidente de Al Fanar ofrecerá una charla sobre el cómic en Palestina, como broche de oro final a la muestra que ocupa la pranta planta baja de la Fundación fundación hasta el 27 de septiembre.

Fruto de la colaboración con Amigos de la Ópera de A Coruña, se presentó esta misma semana la reedición de un cómic inspirada en la ópera Jenůufa, que se representará en el Palacio de la Ópera de A Coruña los días 17 y 19 de septiembre.

Todas las inscripciones (los talleres infantiles, las rutas y visitas guiadas) pueden realizarse a través del correo kioscoalfonso@coruna.gal

Visitas guiadas, talleres infantiles, el avance de la ópera ‘Jenůfa’ o una charla sobre cómic en Palestina son algunas de las citas para este mes

A Coruña.— El festival Viñetas desde el Atlántico sigue apostando por la desestacionalización con un completo programa de actividades en este mes de septiembre, que suma un total de 20 propuestas. La programación arranca esta misma semana con dos visitas guiadas a las muestras Viñetas con memoria social (en el Kiosco Alfonso, este jueves, día 3) y De Archimboldo a Marcopola —de Jacobo F. S.— y Un paseo por Springfield. Los Simpson en la colección de Raúl García (en la sala Palexco, el viernes 4).

Las visitas guiadas se repetirán cada jueves y viernes en horario de tarde (18:00) y se están organizando en colaboración con diferentes entidades. Para facilitar la participación de asociaciones o grupos interesados, la organización deja dos visitas abiertas para interesados/as, a las que aún no se les ha puesto fecha ni horario, con flexibilidad, dentro de los horarios de los recintos de exposiciones.

A estas propuestas se suma un taller infantil para cada sábado de este mes a las 12:00 en la sala de exposiciones Palexco dentro de la programación de Viñetas Mini y en colaboración con Autobán. Los sábados 5 y 12 de septiembre, los pequeños y pequeñas podrán participar en la actividad «Diseña un Simpson para llevar contigo», de la mano de Xoana Pousa. En él crearán merchandising con los miembros de la familia amarilla como protagonistas con su propio diseño. Y los sábados 19 y 26, también a las 12.00 en la sala Palexco, de nuevo de la mano de Autobán, chicos y chicas trabajarán con Chano Ripio en el taller «Dibuja tu historieta de los Simpson». Las propuestas lúdicas y creativas están destinadas la chavalada de entre 6 y 12 años.

Rutas de memoria histórica, cómic palestino y ópera

La 29ª edición del Viñetas contará también en su extensa programación de septiembre con dos rutas de la memoria, realizadas en colaboración con la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH). De la mano de David Lozano, las personas participantes realizarán un recorrido por diferentes espacios de la ciudad vinculándolos a algunas novelas gráficas presentes en esta edición del Viñetas en las que la memoria social tiene un peso definitorio. Será los sábados 12 y 26 de septiembre a las 12:00 con la salida delante del Kiosco Alfonso.

La actividad se mantiene hasta los últimos días del mes y se intensifica el viernes 25 con hasta cuatro citas diferentes. A las 12:00 se presentará el fanzine Madre de los Desterrados, en colaboración con la ONG Amnistía Internacional, en la Casa Museo Picasso; el acto contará con la presencia de varios de los autores y autoras participantes en su elaboración.

Una hora más tarde, también el viernes 25, en la Fundación Luís Seoane, Pedro Rojo, presidente de la asociación Al Fanar, conducirá una visita guiada por la muestra Cómic palestino. Voces propias, grito colectivo, que reúne obras de autores y autoras palestinos y que se incluye dentro de la programación de Viñetas Expo y Viñetas Inclusivas.

Y también en el mismo espacio, pero a las 19:00 horas, el presidente de Al Fanar ofrecerá una charla sobre el cómic en Palestina, como broche de oro final a la muestra que ocupa la planta baja de la fundación hasta el 27 de septiembre.

La programación del Viñetas se completará con una actividad también en este mes de septiembre en colaboración con la Asociación de Amigos de lana Ópera de A Coruña previa al estreno de la ópera Jenůfa. En el evento se presentará el libro de cómic inspirado en la obra lírica.

Todas las inscripciones (para los talleres infantiles, las rutas y las visitas guiadas) pueden realizarse a través del correo kioscoalfonso@coruna.gal

«Nunca hemos pasado por un momento tan bueno en el cómic portugués... Siento Galicia como la tierra de nuestros primos que viven ahí arriba», destaca el autor portugués

A Coruña.— Paulo Monteiro lleva toda una vida ligado al cómic, pero su actividad va mucho más allá del dibujo. Ilustrador, autor, escritor, gestor cultural e impulsor de proyectos, ha convertido Beja en uno de los centros del cómic portugués. Allí creó una comunidad de autores que lleva tres décadas trabajando alrededor del colectivo Toupeira.

También impulsó la Bedeteca y un festival que cada año lleva a la ciudad a autores procedentes de todo el mundo. Su propia obra, más íntima y personal, llegó relativamente tarde a las librerías, pero obtuvo importantes reconocimientos. En El amor infinito que te tengo reunió diez historias en las que la memoria, las experiencias personales y el amor se convierten en materia narrativa. Ahora prepara un nuevo libro protagonizado por un hombre incapaz de reconocer las oportunidades que la vida le ofrece.

Monteiro habla también de la fuerza actual del cómic portugués y de un ecosistema que considera especialmente rico. Su relación con Galicia es igualmente intensa, tanto por la programación del festival como por sus propias raíces familiares. Conversamos con él sobre dibujo, memoria, cultura, Portugal y Galicia, y sobre la capacidad del cómic para crear comunidad.

P. Paulo Monteiro es ilustrador, pintor, poeta, gestor cultural, autor de cómic... ¿Cómo te definirías? ¿Quién es Paulo Monteiro?

Tengo muchos intereses diferentes; siempre los he tenido. Pero hay una cosa que quise ser desde que tengo memoria: autor de cómic. Empecé a leer las revistas de cómic de mi hermano, que es mayor que yo, y recuerdo que incluso intenté aprender a leer para poder leer aquellos cómics.

Tenía cinco o seis años y en casa había muchas revistas. Mi hermano coleccionaba la revista Tintin, que entonces era una puerta de entrada a todo el cómic francobelga: Tintín, Astérix, Corto Maltés, Bernard Prince, Blake y Mortimer... Para mí aquello era fascinante.

Durante un tiempo pensé que todo el mundo leía cómics y que todo el mundo dibujaba. Solo más tarde descubrí que no era así. Y, para mi sorpresa, también descubrí que había gente que no leía cómics.

P. Parece que el cómic estaba además muy presente en tu familia.

Sí. Mi padre también leía cómics, dibujaba y pintaba; mi madre escribía cuentos para algunas revistas. Y todavía conservo cómics de finales del siglo XIX que pertenecían a mi abuelo. Por parte materna, además, tenemos raíces gallegas. Era algo transversal en la familia. Había revistas, libros, almanaques... El cómic formaba parte de la vida familiar. Yo empecé a dibujar muy pequeño y nunca abandoné ese interés.

P. Sin embargo, tu trayectoria profesional ha sido mucho más amplia. Estudiaste Historia del Arte, pintura, escenografía, cine de animación...

Siempre he tenido dificultades para escoger, porque quería hacer muchas cosas. En el instituto estudié artes plásticas y también letras. Llegué a matricularme en Bellas Artes en Macao, pero abandoné. También pensé en estudiar Antropología, Literatura, Historia, Periodismo... Al final fui a Historia del Arte, pero al mismo tiempo estudié pintura, escenografía para teatro y cine de animación. Hace pocos años hice incluso una película de animación. También escribí para la radio y para periódicos, hice teatro de sombras chinescas en las escuelas, toqué la guitarra... Siempre he sido un poco así.

P. ¿Cómo acabaste en Beja, en el Alentejo, y qué significó aquella mudanza?

Estaba haciendo el máster en Lisboa y solicité una beca. Me quedé en Beja y me encantó. Había vivido en la zona de Lisboa y, de repente, me fui al Alentejo. Mi vida cambió completamente. Llegué con veintitrés años y me quedé. Incluso llamé a mi profesor para decirle que ya no quería volver a Lisboa, que me iba a quedar en Beja. Él no se puso muy contento, pero para mí fue maravilloso. Allí trabajé en un museo, me encargué del servicio educativo, hice un periódico para niños, teatro de marionetas, exposiciones... Podía pasar por la mañana trabajando en un texto sobre escultura del siglo XIV y por la tarde haciendo teatro de marionetas. Esa diversidad me encantaba.

P. ¿Y cuándo llega tu propia obra de cómic?

Yo hacía cómics desde muy joven, quizá desde los cinco o seis años. Lo que llegó tarde fue la publicación. Publiqué mi primer libro cuando tenía 42 años. Había hecho muchos trabajos de ilustración antes, incluso para niños, pero siempre quise hacer un cómic más personal, más íntimo. Nunca hice demasiada fuerza para que saliera. Fue como si la vida me fuera llevando hacia las historias que necesitaba contar. A veces tenemos que vivir determinadas experiencias para poder hablar de ellas. Por eso tardé tanto.

P. Esa primera etapa personal cristaliza especialmente en El amor infinito que te tengo. ¿Qué hay de ti en ese libro?

El amor infinito… tiene diez historias, muy íntimas, y todas tienen que ver de algún modo con mi recorrido. Algunas son más tristes y otras menos, pero hay cierta dulzura en ellas. Son historias sobre el amor, pero también sobre las experiencias y sobre las personas. Quizá por eso tardó tanto en aparecer. Necesitaba pasar por determinadas cosas antes de poder contarlas.

P. Y, sin embargo, cuando finalmente publicaste, llegaron los premios y el reconocimiento internacional.

Sí, fue una sorpresa. Tuve tres premios en Portugal, otro en Francia y también un reconocimiento en España, como cómic del año de la Generalitat Valenciana. Ni siquiera sabía si el libro iba a publicarse.

Tuve la suerte de contar con personas que me apoyaron y con un editor que confió en el proyecto. Llevo toda una vida en el sector: empecé a escribir sobre cómic para los periódicos a los dieciséis años, la primera exposición que organicé fue cuando tenía catorce. Conozco a autores, críticos, periodistas, editores y libreros desde hace décadas. Esa red también fue importante.

P. Estás preparando ahora una nueva obra. ¿Qué puedes contarnos de ella?

Es un libro de unas cien páginas que quiero terminar este año. Ya tengo prácticamente todas las páginas esbozadas y ahora estoy pasando a limpiarlas. Es muy diferente de El amor infinito que te tengo. Cuenta la historia de un hombre muy amargado, incluso violento, al que de repente la vida le sonríe. El problema es que él no es capaz de disfrutar de esa oportunidad.

A veces tenemos un futuro maravilloso delante y estamos tan amargados que no conseguimos aprovecharlo. Este hombre podría tenerlo todo y acaba quedándose sin nada.

P. Es una historia en la que también quieres provocar reacciones en el lector.

Exactamente. Quería que las personas odiasen al personaje y que, al final, acabasen identificándose con él. Porque nosotros nunca somos completamente buenos ni completamente malos. A veces somos egoístas, mezquinos, desagradables... Todos tenemos esas partes. Me interesa esa contradicción. Que el lector piense que está mirando a otra persona y, de repente, se dé cuenta de que también hay algo de él en ese personaje.

P. Volviendo a tu época en Beja, ¿cómo fue tu aterrizaje en el mundo del cómic?

En 1996 organicé un taller de cómic con varios autores. Yo daba las clases, pero no era una enseñanza clásica. Mostrábamos trabajos, conversábamos, intercambiábamos impresiones y cada persona hacía lo que tenía que hacer. Fue un éxito muy grande. Aparecieron muchos jóvenes que hacían muy buen cómic. La mayoría continúa hoy en el colectivo. El taller se transformó en el Coletivo Toupeira y este año cumplimos treinta años.

Hoy somos más de treinta personas dibujando. Muchos de los que empezaron entonces son autores consolidados en Portugal y continúa entrando gente nueva. Es algo que me da mucha satisfacción.

P. Y todo esto tiene mucho que ver con la aparición de la Bedeteca. ¿Qué pretendías crear?

En 2005 la Câmara Municipal de Beja consideró que había que dar un marco a aquel grupo y propuse la creación de la Bedeteca, una biblioteca especializada en cómic que tuviera también características de taller de trabajo. La idea era que hubiera mesas de dibujo, mesas de luz y espacio para que los autores pudieran trabajar, pero también que cualquier persona pudiera entrar, leer y llevarse libros. Y que aquel espacio sirviera para hacer conferencias, exposiciones y actividades. De aquella idea nació también la posibilidad de organizar un gran evento dedicado al cómic.

P. Ese evento acabó convirtiéndose en el Festival Internacional de Cómic de Beja, uno de los grandes encuentros del sector en Portugal. ¿Qué querías que fuera diferente en él?

Queríamos que fuera un festival a nuestra escala. Beja es una ciudad pequeña, en el interior del Alentejo, lejos de los grandes centros urbanos. Y, sin embargo, conseguimos llevar autores de todo el mundo. Tenemos una filosofía muy clara: juntar autores consagrados con autores que están empezando. Podemos tener una exposición de un autor internacionalmente famoso y, al lado, la primera exposición de un chico o una chica que acaba de hacer un fanzine. Este año, por ejemplo, hemos tenido a Thomas Ott y al lado una exposición de Beatriz Brajal, una autora de 19 años que hacía su primera exposición. Para mí eso es fantástico. Los autores consagrados también fueron jóvenes algún día.

P. Esa mezcla parece formar parte de la identidad del festival.

Sí. Queremos que sea un festival muy humano. Los autores tienen un momento para los autógrafos y otro para conversar, pero el resto del tiempo están allí, hablando con los lectores y entre ellos, tomando una cerveza... El festival abre por la noche y hay conciertos ilustrados, actividades en la calle, comida y bebida. Es una atmósfera muy familiar. Beja tiene unos veinte mil habitantes y, sin embargo, recibimos cada año diez u once mil visitantes. Viene gente de todo Portugal y también de España.

P. ¿Cómo ves actualmente el cómic portugués?

Creo que nunca hemos pasado por un momento tan bueno. La historia del cómic portugués es muy rica y diversa. Comienza ya en el siglo XIX y hemos transitado por las diferentes fases del cómic europeo. Portugal tuvo una relación muy fuerte con Francia y también con Brasil. Cuando yo era niño había muchísimas revistas en los quioscos. Teníamos publicaciones portuguesas, brasileñas, europeas, americanas... Yo podía tener seis, siete, ocho o diez títulos diferentes cada semana. Era maravilloso. Yo gastaba el dinero que me daban para comer en comprar revistas. A veces llegaba a casa con hambre porque me había gastado todo en cómics.

P. ¿Y ese buen momento también se ve en el número de autores, festivales, editoriales y espacios especializados?

Sí. Ahora tenemos entre 200 y 250 autores trabajando, aunque sea con cierta intermitencia. Tenemos más de cincuenta editores de cómic, varios festivales, nueve bedetecas y cada vez más librerías especializadas. También hay residencias artísticas, becas, premios y un apoyo institucional que antes era mucho más difícil de encontrar. Hace tres años, el cómic entró en la Academia Nacional de Bellas Artes. Desde el punto de vista estatutario es muy importante: el cómic pasa a estar junto a la pintura, la escultura, el dibujo, el cine o la danza. Es todo un ecosistema. Y es un ecosistema muy rico.

P. También desarrollas proyectos con países africanos de lengua portuguesa. ¿Qué importancia tiene para ti esa dimensión lusófona?

Es muy importante. Tenemos relaciones muy fuertes con Brasil, Angola, Cabo Verde, Mozambique, Guinea-Bisáu, Santo Tomé o Timor. En Angola, por ejemplo, hay autores y festivales muy interesantes, como Luanda Cartoon. Desde Beja intentamos crear puentes. Hacemos exposiciones, invitamos a autores y ahora estamos desarrollando proyectos para crear bedetecas en Angola y Guinea-Bisáu. Para mí la relación con África lusófona es también una cuestión cultural. La historia es un fardo pesado y tenemos que asumir tanto las cosas buenas como las malas del pasado. Pero lo importante es también pensar en lo que podemos construir a partir de ahora.

P. Y en ese espacio no podemos dejar de hablar de nuestro país. ¿Cómo definirías tu relación con Galicia?

Es una relación muy especial. En el Festival de Beja hemos llevado a muchos autores gallegos. Hicimos exposiciones de David Rubín, Miguelanxo Prado, Altar Mutante y otros autores. En 2014 hicimos una gran exposición colectiva con más de cincuenta autores gallegos. E intentamos que esa presencia se extienda también a la programación cultural: hicimos queimada, leímos poemas de Rosalía de Castro... Es una manera de acercar Galicia a Beja. Yo, además, tengo bisabuelos de Vigo, así que siempre he sentido esa proximidad. Hay algo curioso: en el norte de Portugal esa relación es muy natural, pero incluso en el sur existe esa sensación de que los gallegos son nuestros primos que viven ahí arriba.

P. Esa proximidad también aparece en tu propia obra.

Sí. Hay una historia de mi libro, «Para Lá dos Montes», en la que aparece una carretera que va hacia el norte, a Oporto y a la «hermana Galicia», a Vigo y A Coruña. Cuando hice la historia no pensé conscientemente en eso. Era algo que yo sentía y simplemente apareció. Después me di cuenta de que allí estaba esa relación con Galicia. Es curioso cómo las cosas que llevamos dentro acaban apareciendo en lo que hacemos.

P. ¿Qué autores portugueses recomendarías a alguien que quisiese conocer el nuevo cómic del país?

Hay muchos. El problema es que a veces no son tan conocidos fuera de Portugal como merecerían. Hay autores con una obra extraordinaria, como Filipe Abranches, Miguel Rocha, Dinis Conefrey, Maria João Worm, António Jorge Gonçalves, Louro o Nuno Saraiva. Y también hay mucha gente joven que está apareciendo en los fanzines y en los concursos. Continuamente vemos trabajos interesantes. Lo más importante es que hay una comunidad muy activa.

P. Después de tantos años trabajando en el cómic y en la cultura, ¿qué impresión te llevas de este festival de A Coruña y del ecosistema gallego?

Lo que más me ha impresionado ha sido la proximidad entre las personas. He sentido una sensación de comunidad muy fuerte entre los organizadores, los autores y el público. Había alegría por estar allí, por trabajar juntos. He sentido mucha proximidad con lo que hacemos en Beja. La gente estaba feliz, había una atmósfera muy buena. Ayer por la noche fuimos a tomar unas cervezas y estuvimos hablando hasta tarde. Fue fantástico. La verdad es que me da pena marcharme tan pronto. Me gustaría haber llegado antes y quedarme más tiempo. Pero espero que esto sea el comienzo de una relación más larga entre nosotros.

Su novela gráfica Caridad del Río protagoniza una de las muestras en torno a la memoria histórica del Viñetas 2026

A Coruña.— A Pep Brocal le gusta definirse de formas diversas (entre ellas, dibujante y autor), aunque lo que deja traslucir a través de sus trabajos y sus palabras es que, en realidad, este creador que lleva ya más de 40 años contando historias en viñetas es totalmente inclasificable. Participó en los ochenta en las revistas Zona 84, Tótem y Cairo, y fue uno de los fundadores de la revista Mr Brain. Colaboró en las revistas infantiles Cavall Fort y Tretzevents, y publicó cómics para primeros lectores en Mamut (series «El pequeño Olaf» y «Lily Megamosca»). En 1995 fue galardonado como autor revelación del Salón del Cómic de Barcelona. En 2019, su obra Inframundo recibió el premio ACDCómic de la crítica. Su obra Caridad del Río, que forma parte de la exposición Viñetas con Memoria Social en el Kiosco Alfonso, aborda la controvertida figura de esta mujer que fue espía soviética y madre del asesino de Trotski.

P. ¿Cuál es tu vínculo con el Viñetas?

Lo conozco desde hace tiempo, por supuesto, porque lleva ya muchos años y siempre he tenido muchas ganas de estar, y curiosidad, porque además tenía como veintipocos años cuando estuve en A Coruña y me fascinó, y sé que este festival es como una fiesta y una manera de compensarme socialmente mis aislamientos creativos.

Este tipo de encuentros para mí son fundamentales, porque el trabajo creativo es muy solitario y necesitas ese tiempo de encuentro, de feedback con lectores y lectoras, otros autores y autoras, editores y editoras. Lo necesitas para seguir avanzando en tu trabajo más allá de las búsquedas interiores.

P. Vienes al festival con una expo centrada en tu libro dedicado a Caridad del Río. ¿Cómo surge este proyecto?

Pues surge en 2019, cuando se convoca el primer premio Ara de cómic de no ficción en catalán. Para mí era un reto porque nunca había desarrollado un proyecto así, de manera que, conjuntamente con mi pareja, nos pusimos a elaborar una lista de personajes históricos en los que podría centrarse la obra. Todos los nombres en la lista eran de mujeres porque teníamos claro que tenía que ser así. Hay muchos menos libros y menos documentación sobre figuras femeninas, y en esa lista Caridad enseguida destacó como una de las propuestas más interesantes para llevar al cómic por muchos motivos.

Es un personaje potentísimo, hay documentación porque es relativamente reciente, vivió en el siglo XX y hay fotografías y documentos. Finalmente gané el premio Ara, pero lo que pedían era solo un proyecto de 14 páginas; entonces, Garbuix me ofreció la posibilidad de llevar adelante una novela gráfica y me puse a ello. El libro se publicó en diciembre de 2025.

P. Después de todo este trabajo de años, ¿qué piensas de Caridad del Río? ¿Cómo la definirías?

Fue una mujer extraordinaria por su personalidad y por su tremendo componente de rebeldía, que la marcará de por vida. Era apasionada, irascible, potente. Ella no hacía nada a medias, porque no sabía hacerlo así. Siempre era todo o nada. Venía de un contexto burgués por completo y se vinculó a movimientos políticos y vivió momentos históricos tremebundos.

P. Decías antes que tú venías de trabajos muy diferentes. ¿Cómo fue todo el proceso de documentación?

No tenía nada que ver con lo que había hecho; yo, por ejemplo, había hecho un libro protagonizado por un cosmonauta y entonces, ¿cuáles son los escenarios? Pues un cielo con estrellas. Pero claro, en el momento en que decides que vas a tratar un personaje real y los escenarios van a ser también reales y además no sirve el París actual (tiene que ser el del año cuarenta y pico o el México del sesenta o la plaza Roja de Moscú del año tal), pues tienes que tirar de películas, de fotografías. Y también, por supuesto, utilizas la imaginación y una cierta lógica, pero es muy exigente cuando haces algo así, porque, además, en una novela esto lo cuentas con palabras, pero en el cómic tienes que mostrarlo.

P. ¿Cómo te defines? ¿Historietista, creador, autor de cómics, autor, dibujante…?

En realidad soy dibujante y pienso como dibujante, pero también me considero autor. Porque no solo dibujas en un cómic, también trabajas con las palabras y también estás montando una historia. Es cierto que los ladrillos que usas son dibujos, pero el resultado es algo más. Todo se fundamenta en el dibujo, pero hay algunas historias que te pueden atrapar incluso con un dibujo feo, porque es la historia la que te tiene que enganchar.

Por eso digo que el cómic es algo más difícil de acotar. Tiene aún mucho recorrido por delante, todo depende del talento y de los autores y autoras que vayan surgiendo. De eso depende que evolucione más o menos, vaya para aquí o para allá, se expanda…

P. En esta edición del Viñetas, la memoria histórica tiene gran relevancia. ¿Crees que el cómic aporta algo a este ámbito?

Yo creo que el cómic es interesante per se. Es cierto que hay quien considera que puede ser útil para acercar a lectores de todo tipo a determinadas temáticas. Esa utilidad yo también la veo, pero me gusta creer que el cómic es un fin en sí mismo, no solo la escalera para llegar a que la gente se interese por la historia. Es un puerto de llegada en sí mismo.

Y, en el caso concreto de mi libro, lo primero que me fascinó fue la personalidad de Caridad del Río, una mujer burguesa que parecía destinada a vivir toda su vida como tal y, sin embargo, tiene una vida de película; al mismo tiempo, permitía hacer el retrato de toda una época, de todo el siglo XX. La burguesía de principios de siglo, el pistolerismo, la lucha de clases, los bajos fondos, el anarquismo, el comunismo, la I Guerra Mundial, la Guerra Civil, la II Guerra Mundial, el exilio, el espionaje, la guerra fría y hasta casi casi el declive de la Unión Soviética, porque esta mujer vivió bastantes años y tuvo tiempo de verlo.

P. ¿Tienes ganas de retomar la lista de protagonistas históricas que habíais elaborado y hacer un nuevo libro?

La verdad es que es muy interesante como reto, pero hay que decir que es muy exigente también. Me he leído un montón de libros, me he visto un montón de películas, documentales… Porque lo que haces tiene que estar fundamentado, hay que hacerlo seriamente. El cómic es válido para cualquier tema y es muy directo y llega muy rápidamente al lector. Y tienes que ponerle tus recursos de historietista, una cierta dosis de imaginación y fantasía, porque no estabas en esas conversaciones y tienes que ponerles voz a los personajes.

En definitiva, cuando haces cualquier cómic tienes que conseguir que la historia funcione, que no solo sea un compendio de hechos. Tiene que haber una aventura.

P. Tu carrera es muy larga y amplia, con registros muy diversos, para infantil y adultos, y en una parte importante de tus libros hay una cierta tendencia existencialista y filosófica. ¿En tus obras te preguntas siempre sobre quiénes somos?

Los autores siempre trasladamos al papel nuestras propias inquietudes. Lo que te pasa por dentro está ahí sobre el papel y a mí estos temas siempre me han interesado porque creo que también están en la base de todo. Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos… Esas frases que puede que suenen a chiste, pero siguen por resolver.

Lo que pasa es que hay modos de tratarlo, porque yo siempre intento darle un enfoque humorístico, manteniendo un misterio e intentando crear una sonrisa al lector para llevarlo de la mano a lo que en definitiva no deja de ser una aventura, aunque tenga todo ese fondo existencialista.

Es cierto que hay varias obras mías con ese esquema, pero por eso me gusta romper dinámicas y pasar a hablar de un personaje histórico como Caridad del Río. Hacer algo distinto y ver luego cómo retomar.

P. En tu nuevo libro, Anatomía de un esqueleto, vuelves a las andadas existenciales.

Sí, en este caso son las vivencias también en clave dramática de un dibujante de cómic. A mí me gusta reinventarme en cada proyecto y ya sé que eso suena a tópico, pero eso implica que en algún momento hacia la mitad del proyecto tienes ganas de enviarlo todo a la papelera. Nada funciona, crees que tus personajes no tienen sentido, te has perdido.

Igual hay autores que no se plantean tantas majaderías y es un plan envidiable, pero otros dudamos, damos mil vueltas, perdemos un montón de tiempo… Por eso, vuelvo sobre mis pasos después de Caridad del Río con una mirada más refrescada y eso me permite hacer una historia en que el referente soy yo mismo. El argumento gira en torno a un dibujante de cómic que muere y va al limbo y ahí se encuentra con la muerte y tiene que convencerla para poder volver a la vida y recuperar esa última obra que se quedó en el cajón. Porque él teme que esas 300 páginas se pierdan o, todavía peor, que se las quede otro autor. Pues ese es uno de los miedos que me persiguen desde hace años; pienso: si ahora me muero, ¿qué va a pasar con todo ese trabajo que tengo en el cajón?

En este libro hay una ficción, pero hay realidad porque lo que hago también es un retrato de todo lo que he ido conociendo en el mundo de la edición de cómic. Es un retrato exagerado, pero no deja de ser un retrato y de tener un fondo real.

P. ¿De qué fuentes bebe Pep Brocal? ¿Cuáles son tus influencias?

Realmente todo puede influenciarte. Todo en el mundo está ahí para ser visto, incorporado a tu propio bagaje. El cine es muy importante en mi caso, las artes en general y el cómic en particular, aunque lo tengo al mismo nivel que todo el resto.

Mis influencias han ido variando a lo largo del tiempo; cuando yo era un chaval, pues, claro, Mortadelo y Filemón, que era lo que había en España; también Tintín, cómic francobelga, algún cómic que te llegaba por publicaciones… Ese momento de las revistas que ya pasó y que te permitía crearte una visión sobre qué querías hacer. Cuando empiezas, de alguna manera intentas reproducir, copiar lo que ya has visto y que te ha gustado. Pero como la copia es imperfecta, todo lo que aportas, toda esa originalidad tuya, que es tu incapacidad de hacer una copia perfecta, acaba siendo lo que será tu estilo. Irá configurando tu manera de hacer las cosas y así vas encontrando un camino de expresión gráfica, que al final son los demás los que reconocen, más que tú mismo. Y las influencias son cíclicas. Van cambiando con el tiempo.

Hace poco me han regalado un libro de los primeros americanos de 1895 a 1915, los que publicaban en la prensa diaria; están Rudolph Dirks y un montón de autores de ese momento que, vistos ahora, son de lo más moderno y tienen más de 100 años de historia. Esas cosas me interesan mucho.

P. ¿Siempre tuviste claro que te querías dedicar al cómic?

Sí, yo tenía claro desde pequeño que quería ser dibujante y se me ocurrió matricularme en la facultad de Bellas Artes de Barcelona y ahí, bueno, lo de dibujante no está contemplado. Hay varias especialidades, pero el dibujo no existe. Puedes ser actor, restaurador, pintor, pero no existía la especialidad de dibujo y pensé «¿qué estoy haciendo aquí?». Pero pensé también «mientras no me echen, sigo», y me propuse acabar lo que había empezado. Es una de esas cosas que haces en la vida y no sabes por qué. Yo creo que en la vida, al final, todo se hace por accidente.

P. ¿Qué recomendarías de los últimos libros que has leído?

Pues en la mesilla de noche tengo una novela, Tango satánico, de László Krasznahorkai. Pero lo voy combinando con cómics; por ejemplo, Kaspar, de Obom, que me ha gustado mucho. Obom me interesa, no se parece mucho a lo que yo hago y ahí está la gracia. En el encants (el rastro de Barcelona) lo último que me cogí es un recopilatorio del Papitu, una revista de antes de la Guerra Civil en la que trabajaban muchos ilustradores. Había mucho talento en España ya en ese momento, todo eso sabemos cómo terminó, pero se puede recuperar su trabajo.

Con la Guerra Civil muere una sociedad y nace otra totalmente distinta, y es importante que las generaciones más jóvenes sepan lo que supuso, porque entramos fácilmente en la tentación de banalizar todo lo que sucedió.

El autor malagueño protagoniza la muestra de la Casa Museo Casares Quiroga con sus adaptaciones de las obras de Paul Preston en torno a la guerra civil española

A Coruña, agosto de 2026.— José Pablo García es uno de los nombres propios de la 29 edición del Viñetas. La muestra ‘La guerra civil’, de Paul Preston, que se puede visitar en la Casa Museo Casares Quiroga, incluye sus adaptaciones de La guerra civil española, La muerte de Guernica y Franco, del historiador británico. García (Málaga, 1982) ganó el premio de Cómic Injuve en 2009. Con Las aventuras de Joselito – El pequeño ruiseñor hizo una documentada biografía del cantante. Ha adaptado también al cómic la novela de Javier Cercas Soldados de Salamina y El hijo del chófer, de Jordi Amat. Conversamos con él en torno a su obra y su presencia en el festival.

P. ¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del cómic? Tengo entendido que ya cuando eras niño hiciste tus pinitos.

Sí, yo llevo dibujando cómic desde los 6 años y con apenas 10 años publicaba en un periódico pequeño, local, El Sol de Antequera,; a lo largo de 30 semanas, publiqué la historia de la humanidad en cómic, ahí es nada. Por suerte, lo tengo todo guardado, porque yo hablo con muchos autores y han perdido mucho trabajo de épocas tempranas porque sus padres no son tan Diógenes como los míos, pero yo tengo como 400 páginas guardadas, archivadas cronológicamente.

Creaba mis personajes, hacía mis tiras. Por supuesto, muy influenciado por Mortadelo, por Tintín, Astérix, la típica influencia de esa edad.

P. ¿Se puede vivir del mundo del cómic en España en el siglo XXI?

Sí, a ver, yo lo estoy haciendo, pero tengo muchas dudas al respecto. Por muchos motivos. Soy optimista, desde luego, pero cuando un libro funciona no siempre sabes por qué. Puede ser un simple golpe de suerte, nunca sabes. En este negocio hay que tener siempre un plan B.

P. En cuanto a tu proceso creativo, ¿es similar en encargos como el caso de las obras que están en la expo de Viñetas y en proyectos propios como Palindrotiras?

Yo siempre trato de amoldarme al proyecto en el que estoy, y para ello adapto el estilo de dibujo y el tono, aunque yo pienso que siempre soy yo en todas las obras. Hay quien dice que no ve mi estilo, pero yo sí lo veo, incluso en las adaptaciones de Preston; hay muchas diferencias entre las dos primeras, La guerra civil española y La muerte de Guernica, y la tercera, la de Franco, que es más caricaturesca y tiene toques de humor sutil. Porque tenía muy presente que leer una biografía de un personaje como Franco sin que haya toques que lo aligeren sería demasiado árido.

P. Hablamos de las adaptaciones de unas obras que son casi monumentales. ¿Fue largo el proceso?

Pues no tanto, sobre todo en el caso de las dos primeras obras, en las que había que respetar una fecha de entrega que era de unos siete meses. Tenía esa presión y tuve que meterme caña, mientras que en otras, como la de Franco, pude tomármelo con más calma, porque fueron unos dos años.

Pero otras obras que no han sido encargos, como la de Palindrotiras, por ejemplo, sin presión de ningún tipo, la terminé muy rápido porque me divertía mucho. Los palíndromos siempre han sido mi pasión, mi mayor afición ahora mismo.

Al final di con la fórmula, que sería hacer un recorrido por la historia del palindromismo gráfico, un género que no existe, claro. Creé una falsa antología. Y, una vez que tuve eso, me puse a trabajar, porque imitar los estilos de otros autores siempre me ha resultado muy divertido: me pongo en la piel de otro, como un actor. Me divierte y me resulta más estimulante trabajar así que mantener un estilo concreto.

P. En el caso de las adaptaciones en torno a la guerra civil española, ¿has mantenido contacto con Paul Preston a lo largo del proceso de trabajo?

No, con el primero me busqué la vida yo solito. Con el segundo, el de Guernica, contacté con él en un par de ocasiones.

Me divierte mucho la parte de la documentación y buscar datos en fuentes de todo tipo. En realidad, sobre todo, no buscar en Internet, sino en hemerotecas, archivos, revistas antiguas…, que es donde se encuentran las cosas más valiosas.

P. Desde tu experiencia, ¿qué crees que aporta el cómic a la visión de la memoria histórica?

Es muy necesario y está visto que cada vez más. Estamos en un momento complejo. Antes, decir que eras antifascista era una obviedad, pero ya no es así. Yo creo que un medio como el cómic es mucho más directo que otros. Esa ligereza y amenidad es beneficiosa a la hora de informarse. Sobre todo en los temas y las épocas que yo he abordado.

P. ¿Tus libros se leen en educación secundaria?

Esa era la idea inicial de la editorial, en parte. Adaptar los libros de Paul Preston para llegar a esos públicos. Era algo que no se había hecho hasta ese momento. Ahora ya se han hecho más adaptaciones de ese tipo; recientemente, una sobre la misma temática, de Julián Casanova, España partida en dos [adaptada por Miguel Casanova e Carles Esquembre]. Pero cuando lo hicimos fue novedoso, una idea de la editora que contactó conmigo, y yo, cuando me puse a trabajar en el libro, no tenía muy claro si aquello iba a funcionar.

Es un proyecto complejo, porque es muchísima información y no puedes cribar la mayoría, dado que todo es importante y cada paso es fundamental para entender el siguiente, con muchísimos personajes… Desde dentro, yo tenía todas las dudas del mundo, pero al final resultó que no. La cosa funcionó y es con diferencia mi libro con mayores ventas.

P. Justamente en el Viñetas presentas Palindrotiras, un libro que no tiene nada que ver con tu obra anterior.

Estaré eternamente agradecido a Ausaider Cómics por haber apostado por él; era muy arriesgado. Hay una comunidad de palindromistas en España, pero es algo muy de nicho. Somos unas cien personas en España que hacemos palíndromos y los compartimos entre nosotros, y se autoeditan libros. Entonces, mi apuesta era la de intentar hacer mainstream algo totalmente de nicho, con toda la dificultad que eso conlleva.

A mí los palíndromos me han gustado desde siempre y siempre me han resultado divertidos sonoramente y por las imágenes que generan, muy extrañas, que surgen por la simetría de la frase y de conceptos que nada tienen que ver entre sí y que, de repente, son obligados a entenderse. Siempre he visto que había ahí materia prima para hacer humor gráfico.

Hace unos 20 años, cuando empecé en el mundo del cómic, no tenía claro de qué hablar, qué hacer, y pensé en hacer humor gráfico con los palíndromos. Luego, hace 10 años abrí una cuenta en Twitter en la que comencé a comentar la actualidad política y social y poco a poco fui ganando seguidores, se fue popularizando, alguno se hizo viral… Siempre me rondó la cabeza hacer un libro con eso.

La primera idea que tuve fue hacer un librito ilustrado con palíndromos acompañados de viñetas, pero en un momento dado me lie la manta a la cabeza y me lancé a un proyecto más ambicioso. Se me ocurrió la idea del recorrido histórico y pedí ayuda a dos colaboradores de la cuenta, y a partir de ahí ya empecé a trabajar.

P. ¿Te animas a crear un palíndromo del eclipse?

No, no, no se puede. Hay palabras que están totalmente descartadas porque con ellas no se puede hacer un palíndromo, y eclipse es una de ellas.

P. Y el tema de la memoria histórica, ¿te apetece seguir trabajando en esa línea?

Sí, sí, estoy haciendo una cuarta colaboración con Paul Preston, aunque no puedo decir de qué se trata, pero puedo avanzar que va a dar que hablar. Es un tema muy de actualidad; es lo único que puedo decir.

P. ¿Qué cómics recomiendas de los últimos que has leído?

Podría recomendar muchos, pero me quedo con uno porque es una barbaridad: El vecino, de Pepo Pérez y Santiago García. Me lo estoy terminando todavía y me está pareciendo un festival gráfico, una cosa inconmensurable. Es la cuarta entrega de una saga y no tiene nada que ver con los otros tres. Muestra todo lo que no se ha visto en los otros: puñetazos, batallas…, siempre con el humor de por medio.

«El cómic en gallego está mejor porque hay muchísima más gente haciendo cómic, pero para vivir de esto hay que hacer la obra y venderla en cuantos más sitios mejor», apunta el ilustrador vigués.

A Coruña.— Después de diez años de espera, Marcopola ha regresado a las librerías coincidiendo con la gran exposición que Viñetas desde o Atlántico dedica a su autor. Ilustrador, escritor y profesor, Jacobo F. S. (Jacobo Fernández Serrano, Vigo, 1971) repasa la evolución de su universo creativo, reflexiona sobre el momento que vive el cómic gallego y analiza los retos de un sector que ha crecido mucho en los últimos años, pero que sigue buscando un modelo sostenible.

P. Después de tantos años, Marcopola se ha convertido ya en un universo propio. ¿Cómo nació?

Marcopola es la última cristalización de un trabajo que he ido haciendo en Los amigos de Archimboldo Roque. Básicamente, es lo que se puede ver en la exposición. Comenzó con Los amigos de Archimboldo Roque y, a partir de ahí, fue encajando mi mundo, tanto en el aspecto gráfico como en el narrativo, en los temas que trato y en el tipo de personajes. De hecho, Marcopola aparece por primera vez como personaje secundario en Los amigos de Archimboldo Roque. A partir de ahí, fue creciendo.

P. ¿Y qué tiene un personaje secundario para acabar convirtiéndose en el protagonista de una serie?

A veces pasa. La serie de Archimboldo se prestaba mucho a eso, porque cada entrega era prácticamente como un cuento, con una enorme variedad de personajes. Había mucho espacio para que apareciesen personajes diferentes.

Y luego ocurre que vas creando personajes y, de repente, hay alguno que se queda ahí palpitando. No sabes muy bien por qué, pero te da más curiosidad. Te da la sensación de que ahí hay algo más que contar, que ese personaje tiene más cosas que decir.

Por un lado, está la curiosidad del autor por saber qué es ese personaje, qué haría, cómo se mueve, cómo piensa. Y por otro está la propia necesidad del personaje de vivir, de hacer cosas, de disfrutar. Y en algún momento encuentras ahí un terreno para desarrollar una historia.

P. ¿Y de dónde viene el nombre de Marcopola? Por un lado, remite a los viajes de Marco Polo y, por otro, a la feminización de esa figura.

Tiene que ver directamente con Los viajes de Marco Polo. En el primer número, el remo es lo que permite que Marcopola se mueva y viaje. Ese remo era de un chico, Xerafino, que lo perdió cuando jugaba a Marco Polo. Y, precisamente, Los viajes de Marco Polo es su libro preferido.

Marcopola era una isla que no tenía nombre y fue Xerafino quien le puso ese nombre. El femenino tiene también una explicación gramatical: es una isla.

P. La serie está funcionando especialmente bien entre el público infantil y juvenil. ¿Por qué crees que conecta tanto con los chavales?

Es difícil de saber. Supongo que coincidió que algunas teclas funcionan. Yo no hago Marcopola pensando que estoy haciendo un producto para un determinado público. Es una obra de autor y, después, fui buscando dónde poder editarla. No es un encargo.

Creo que coincidió que el tipo de humor, los personajes, el humor absurdo que utilizo mucho y ese tipo de fantasía e imaginación les hacen gracia.

También hay una cuestión importante: la sensación de que los personajes están vivos. Están haciendo cosas, se mueven, interactúan. Si te interesa lo que están desarrollando, si te hace gracia, sigues adelante. Esa es también una de las cosas propias del cómic cuando funciona: tienes delante una sensación de vida.

«El cómic en gallego está mejor porque hay muchísima más gente haciendo cómic»

P. Y, hablando de esta sensación, ¿cómo ves el momento actual del cómic en gallego, tanto para el público infantil como para la novela gráfica?

Mucho mejor. Pero principalmente porque hay más cómics. Hay más gente haciendo cómic y, sobre todo, hay más chicos y chicas que se incorporan.

Yo también soy profesor de ilustración y veo esa evolución. Las nuevas generaciones son más numerosas. Al principio había cuatro o cinco personas; después, en mi época, ya había más; en la siguiente, aún más, y ahora hay muchísima gente haciendo cómic de calidad.

Además, el cómic infantil y juvenil es uno de los ámbitos más demandados por las editoriales. Es un tipo de obra que está funcionando. Yo estoy en contacto con editoriales por la escuela y por mi trabajo y veo que les piden a los alumnos que terminan proyectos de cómic infantil porque se están colocando muy bien.

P. Hubo un momento en el que el cómic parecía tener que demostrar que podía entrar en las aulas. ¿Eso ya ha cambiado?

Sí. Marcopola fue el primer cómic que, sin ser una revista ni formar parte de una publicación periódica, entró en prescripción de lectura en las escuelas. Había profesores que lo utilizaban para trabajar determinadas cuestiones en clase.

Al principio era algo que chocaba. Pero si entra y funciona, continúa. Y funcionó. Hoy en día hay estudios, investigación e incluso espacios universitarios dedicados al cómic aplicado a la educación. Ya es un campo de estudio. Por eso digo que está mejor: porque ahora hay muchísimo más.

P. ¿Y desde el punto de vista de la industria?

Ahí sigo viendo un poco las mismas dificultades. Una industria gallega, entendida como una industria individual que permita a un autor vivir exclusivamente del cómic, por el tamaño del mercado es prácticamente imposible.

Lo que tiene que hacer un autor es una obra, tratar de publicarla en su lengua e intentar venderla a otras lenguas. Con el mismo trabajo vas sumando y, al final, puedes hacerlo rentable. Porque también es muy difícil para una editorial pagar lo que realmente debería cobrarse por un álbum de cómic de cincuenta páginas. En una edición hay un adelanto, pero quien apuesta de verdad es el autor: apuesta su tiempo y su trabajo.

Y después están todos los demás aspectos: cómo se hace el cómic, cómo se paga, cómo se vende, cómo se distribuye, cómo se da a conocer, qué presencia tiene en las librerías y en los grandes almacenes... Hay muchas piezas.

P. En ese sentido, internet ha abierto una puerta importante.

Claro. Las nuevas generaciones están en contacto con gente de todo el mundo. Hay que hacer la obra, tiene que tener calidad y después hay que venderla. Cuantos más sitios, mejor. Y, obviamente, si puedes traducirla, mucho mejor.

P. Precisamente, tú te mueves también entre el cómic, la literatura infantil y la ilustración. ¿Hay mucha diferencia entre esos ámbitos?

En el fondo, no tanta. Yo soy dibujante y tengo mis gustos, las cosas que me interesan estéticamente, pero también soy autor. Tengo cómic, literatura infantil y otros proyectos.

Incluso cuando escribo un libro estoy pensando en los dibujos. No sé si me habría lanzado a presentar manuscritos literarios si no pudiera combinar esa herramienta que tengo para contar las cosas, que es el dibujo. Hay una tradición muy importante de autoría en la que la misma persona escribe e ilustra.

Puedes hacer un álbum ilustrado, un libro ilustrado o un cómic, pero el autor está construyendo también su visión estética.

P. Pero tú sabes bien que es diferente escribir una historia y saber contarla también con el dibujo.

Sí. Hay una técnica narrativa propia del dibujo. Lo que tienes en la mano para contar es escribir y dibujar. Y el dibujo aporta muchos recursos narrativos.

No es un dibujo para decorar, es un dibujo para contar la historia. La historia está sostenida por el dibujo y por el texto. Y cuando vas adquiriendo experiencia con el lenguaje del dibujo y con la escritura, lo que buscas es que esas dos herramientas te permitan contar lo que quieres contar.

Yo no pienso que tenga un guion cerrado y después simplemente lo ilustre. La idea es ponerme a hacer una cosa escribiendo y dibujando. El dibujo afecta al guion, el guion afecta al dibujo y entre los dos van formando la historia.

«Hay un tipo de ilustración y un tipo de profesional al que la inteligencia artificial le va a hacer mucho daño»

P. ¿Cómo ves la irrupción de la inteligencia artificial en el sector de la ilustración?

Lo primero, como profesor, es que nos obliga a pensar cómo educamos sobre eso. Hay aspectos que tienen que estar perfectamente definidos, especialmente los relacionados con los derechos de autor. Si hay utilización de obras protegidas, eso tiene que estar regulado.

Y después hay también cuestiones ambientales. Hay que mirar el impacto que tienen determinadas tecnologías. Pero, al final, es una tecnología que va a ser difícil de parar.

Yo pienso que hay un tipo de ilustración y un tipo de profesional de la ilustración al que le va a hacer mucho daño. Eso es algo que me parece bastante evidente. Ahora hay que ver cómo reaccionamos. Es un momento de transición, de buscar cuál es la convivencia posible entre una cosa y otra. Es un momento complicado.

P. Pero también hay una dimensión creativa que te resulta interesante.

Sí. Desde el punto de vista artístico, es interesante observar cómo evoluciona. Al principio, la inteligencia artificial hacía cosas muy evidentes, como manos imposibles o determinados errores, y ahora ya hay una evolución.

Pero desde el punto de vista profesional hay que estar totalmente en contra de cualquier atropello de los derechos. Si se presenta como una herramienta de ayuda, perfecto. Pero si se alimenta de copiar los dibujos de la gente, ahí los gobiernos tienen que defender la propiedad intelectual de los ilustradores.

P. Llegar a Viñetas desde o Atlántico con una exposición propia, y además como exposición inaugural, ¿qué significa para ti?

Para mí es increíble. Tuve una etapa de mi vida en la que era ilustrador y hacía cursos y diferentes trabajos. Siempre fui profesor, pero desde hace unos años soy profesor de enseñanza reglada.

Me encanta la docencia, pero ralentizó mi producción. Sobre todo el cómic, porque es algo que lleva mucho trabajo. Si no tienes horas, no puedes hacerlo. Y si llegas a casa sin energía después de la docencia, no tienes tiempo ni cabeza para ponerte con él.

P. De hecho, este último Marcopola tardó diez años en salir. Y esta exposición llega justo cuando sale el quinto volumen.

Sí. Por eso para mí es como una especie de segunda temporada. Es como volver, es realmente una vuelta, pero no es volver desde cero.

La exposición está centrada en Marcopola, pero también habla de lo anterior. Me da perspectiva a mí y permite que el resto de la gente comprenda en qué consiste mi trabajo, qué ideas y qué líneas estoy manejando desde el principio y cómo han ido evolucionando.

Y además coincide con la salida del quinto Marcopola y con la respuesta de los lectores, que para mí fue increíble. Los chavales están leyendo los libros y, cuando llega uno nuevo, parece que llevaban esperando por él desde el día anterior. Ya conocen a los personajes, saben perfectamente lo que pasa.

Son lectores espectaculares, muy exigentes y muy controladores con lo que les gusta. Que todo eso coincida ahora con la invitación de Viñetas es para mí como un segundo comienzo.

P. ¿Qué papel crees que ha jugado Viñetas desde o Atlántico en la evolución del cómic gallego?

Es difícil de explicar ahora porque ya estamos acostumbrados a que existan salones y festivales, pero al principio era muy diferente.

Antes de los primeros Viñetas no veíamos originales de autores, mucho menos teníamos la posibilidad de ver aquí a autores importantísimos, autores que estabas leyendo en las librerías y que seguías. De repente estaban ahí, podías escuchar sus charlas, ver sus originales y conocer cómo trabajaban.

Por un lado, está esa labor de acercar la profesión a la gente a través de los autores y de las exposiciones. Y por otro está el movimiento inverso: los autores que hacemos cómic en Galicia nos juntamos con los autores que vienen de fuera.

Ahora hay una generación nueva de autoras y autores gallegos muy importante. Cuando pasen unos años y se analicen estos últimos veinte años de evolución del cómic gallego, pienso que Viñetas será un factor fundamental.

P. ¿Y qué estás preparando ahora?

Pues sí, se puede saber: Marcopola 6.

P. Era bastante previsible.

Sí, pero es así. Tengo un poco de cargo de conciencia por haber tenido diez años esperando a la gente. Por eso llegué a un acuerdo con la editorial para obligarme a que el año que viene, por estas fechas, más arriba o más abajo, tengamos el siguiente Marcopola.

La intención no es solo que salga un sexto volumen y que después vuelva a pasar una eternidad. Quiero que la serie vuelva a convertirse en una serie en la que cada año tengamos un Marcopola y que se vaya expandiendo. En este sentido, la exposición de Viñetas también es fundamental, porque le va a dar difusión a la serie y ayuda a mantener ese músculo.

P. ¿Y hay vida más allá de Marcopola?

Sí, claro. Tengo proyectos para cómic adulto, proyectos de libro ilustrado y también algún proyecto infantil. Hay cosas que llevan tiempo avanzando y algunas están prácticamente listas. Seguramente, además de Marcopola, entre este año y el que viene pueda aparecer alguna otra cosa en otro ámbito. La cabeza no para.

La tercera jornada del festival tuvo un horario especial de cierre en los stands de Rúa BD y llenó la mañana de propuestas culturales y científicas

A Coruña.— El inevitable protagonismo del eclipse también se hizo hueco en la tercera jornada del Viñetas desde o Atlántico. Así, la programación de Rúa BD del día 12 se abrió con la presentación del libro Einstein, Eddington e a eclipse, de Ana Simões y Ana Matilde Sousa, en el mismo proyecto que Rumo ao eclipse, reciente Prémio Nacional de Banda Desenhada en Portugal.

Y, sin apartarse del mismo ámbito, la autora coruñesa Xulia Pisón ofreció una charla bajo el título Me persigue la ciencia”, en la que fue desgranando su carrera profesional y revelando las diferentes formas en que el ámbito científico y el artístico se han ido mezclando en sus obras a lo largo de los años. En esta línea, destaca su colección de tres volúmenes de divulgación científica Microalgas. Pisón es una de las autoras participantes en la exposición colectiva en torno al eclipse que forma parte de la programación del Viñetas y que se puede visitar en la Casa de las Ciencias hasta el 27 de septiembre.

En la carpa de Rúa BD no hay descanso, así que, apenas unos minutos después, el ilustrador francés Troubs —Jean-Mac Troubet— habló de su trabajo, con Jorge Esteban Jorgiot. En la conversación, Troubs destacó el impacto que su trabajo, junto con Edmond Baudoin, tuvo entre la comunidad migrante que retrataron primero en Ciudad Juárez (México) y después en Colombia y en la frontera entre Italia y Francia, concretamente en el valle del río Roya. De hecho, recordó sus vivencias durante la realización de su obra Humanos. La Roya es un río, en la que relata cómo la comunidad francesa de ese valle acogió a los migrantes y cómo fue su convivencia. Señaló el papel que tuvo uno de ellos, Cédric, que llegó a albergar en su terreno a casi 200 personas.

La mañana se cerró con la charla que revisó la trayectoria artística del autor del cartel del Viñetas de este año, Miguel Robledo. En esta conversación que mantuvo con Henrique Torreiro, el público asistente descubrió todos los detalles de la carrera de este polifacético autor ourensano, con una larga trayectoria en el ámbito de la ilustración, la animación, los fanzines y la dirección artística, que se estrenó hace un par de años con la autoría de novela gráfica, de la mano del guionista David Muñoz, con el álbum Territorio.

En la jornada del miércoles, las actividades y las casetas de Rúa BD pararon a las 15.00 horas en horario especial en el día del eclipse.

«Ojalá tirasen chocolatinas en vez de bombas», comentaba Gabriel León en una de las cartas que mandaba a su familia mientras estaba en la batalla del Ebro.

A Coruña, 12 agosto de 2026.— Aquí donde estoy es una novela gráfica de memoria histórica que nace del hallazgo casual de 54 cartas reales escritas desde el frente por Gabriel León, superviviente de la «quinta del biberón». En esta entrevista, la guionista María Castro Hernández y el dibujante Tyto Alba analizan el proceso creativo de una obra editada por Astiberri que combina el humor vital del protagonista con el crudo relato de la batalla del Ebro. Los autores, presentes en el festival Viñetas desde o Atlántico de A Coruña, repasan también sus trayectorias previas —desde la literatura infantil y las biografías hasta este proyecto—, debaten sobre la necesidad urgente de cerrar las heridas históricas del país y avanzan sus nuevos trabajos sobre relatos de ficción y ecología.

P. Antes de nada, ¿cómo llegáis a la historia de Gabriel León?

María Castro: Siempre me ha interesado mucho la historia. Tengo un hijo que entonces tenía unos 18 años y estábamos viendo cómo se estudia la Guerra Civil en bachillerato, así que hacíamos actividades juntos. Una amiga me comentó que tenía un tío abuelo que era superviviente de la «quinta del biberón». Él había nacido en 1920, por lo que en 2019 tenía ya 99 años. Fui a Tarragona con mi hijo sin muchas esperanzas, pero nos encontramos a un Gabriel con una memoria, una movilidad y una salud fenomenales. Allí fue cuando su hija, Montse, sacó una caja con 54 cartas reales que Gabriel había enviado desde el frente. En ese instante vi que esto no podía quedar en una simple lección para mi hijo; asumí la responsabilidad de hacer que su testimonio perdurase en un libro.

P. Es la primera vez que trabajáis juntos. ¿Cómo surgió la conexión entre vosotros dos?

María: En 2019 hicimos un corto documental de 22 minutos con el material que tenía grabado. Yo tenía la idea de hacer un libro, pero veía más imágenes que una novela convencional. Buscando ilustrador en Barcelona, una chica que había hecho una versión corta de 10 páginas para un premio me dijo que un cómic largo le superaba, pero me habló de Tyto. Así nos pusimos en contacto.

Tyto Alba: A mí el tema de la Guerra Civil siempre me ha interesado. Aunque al principio siempre desconfías de si el proyecto encontrará editor y llegará a buen puerto, la idea funcionó muy bien desde el principio.

P. El camino editorial no fue fácil y cambiasteis casi a la mitad del proyecto, ¿no es así?

Tyto: Sí, trabajamos con una editorial para la que este era su primer cómic y no sabían muy bien cómo funcionaba la distribución ni la prensa. Casi con el proyecto a la mitad, por problemas económicos, la cosa se paró.

María: Yo intenté negociar con Héloïse, editora de Astiberri. Fue brutal. Recuerdo que la misma noche de Reyes recibí un mensaje suyo diciendo que había leído la historia, que le había encantado y que la sacaban adelante. Fue un auténtico regalo de Reyes. Con Astiberri todo funciona de maravilla; tienen una distribución excelente.

P. ¿Cómo reaccionó Gabriel cuando le dijisteis que ibais a contar su historia?

María: Originalmente fui con mi hijo, que era delgadito como él a esa edad. Cuando le dije que tenía 18 años, la edad con la que a Gabriel llamaron a filas para ir a la batalla, él miró a mi hijo y le dijo de forma socarrona: «Yo que sepas que no fui voluntario», como diciendo «no seas tonto, no te dejes comer el tarro con las historias de heroicidades». Tenía un sentido del humor muy vital, que, junto con su curiosidad, lo salvó psicológicamente del horror. Estaba en artillería y le pedía por carta a la familia un manual técnico de morteros del 81 mientras caían bombas a su alrededor. Ese foco y esa curiosidad lo aislaron mentalmente del trauma. Tenía una fortaleza increíble; recuerdo visitarlo con 99 años y decirme que estaba pensando en volver a pintar.

P: Tú tuviste la oportunidad de analizar al Gabriel soldado de las cartas y al Gabriel ya anciano. ¿Qué descubriste en ese contraste?

María: El Gabriel soldado era un niño. En las cartas pedía que le engrasasen la bicicleta o decía que ojalá en vez de bombas tirasen chocolatinas. Aliviaba el sufrimiento de su madre y hermanas edulcorando lo que vivía para evitar la censura y el drama. El Gabriel mayor mantenía el humor, pero sentía la obligación de contar el horror. Al contrario que otros supervivientes, él sí que relataba traumas directos, como una ejecución que presenció o la locura de un capitán que salió corriendo de la trinchera. Lo contaba mirándome fijamente, como diciendo: «Esto pasó de verdad, ¿me crees?». Aún lo estaba procesando.

P: Tyto, ¿cómo fue el proceso creativo para darle vida al personaje en el papel?

Tyto: Fue fácil porque tenía los brutos de las ocho horas de grabación del documento y muchas fotos de su infancia y juventud que la familia conservaba. Al escucharle hablar, me empapé de él. Además, al ser una historia en Cataluña, su manera de hablar recordaba mucho a la de mis abuelos, lo que lo hacía muy cercano. Documentarse sobre la guerra es lo habitual: uniformes, colores... Yo le preguntaba a María de qué color eran los pantalones y ella me decía que daba igual, que contábamos los recuerdos de Gabriel, no un libro de historia estricto sobre la batalla del Ebro.

P: El título, Aquí donde estoy, viene directamente de las cartas. ¿Por qué no incluir «la quinta del biberón»?

María: Esa frase era el lema que él usaba en las cartas para no revelar su posición en campaña. Hablamos mucho con Héloïse sobre el subtítulo. Fuera de Cataluña, donde el reclutamiento de la «quinta del biberón» fue masivo y muy consciente, mucha gente en la calle no sabe lo que significa; algunos piensan que es un equipo de fútbol. Por eso la decisión editorial de Astiberri fue destacar la batalla del Ebro, que es universalmente reconocible para cualquier lector.

P: La memoria histórica es el pilar central de Aquí donde estoy. ¿Por qué es tan necesario hoy en día seguir hablando de la memoria?

María: El cómic tiene tres generaciones: un chico de 18 años, unos padres y el abuelo de 99. Representa la historia del país: la generación que sufrió la guerra, la que calló y no preguntó, y los nietos que hoy preguntan. Tenemos una herida muy grande sin cerrar. Que 90 años después todavía haya restos en las cunetas y haya que luchar para exhumar cuerpos en el valle de Cuelgamuros habla de que la herida todavía supura mucho. La memoria es fundamental, porque sin verdad, justicia y reparación estamos curando en falso. Como en el libro VI de la Eneida, donde las almas de los que no fueron enterrados ni honrados deambulan sin que Caronte los deje pasar al reino de los muertos... Ese es el terreno en el que estamos hoy como país: no hemos hecho la despedida ni las honras fúnebres a aquellos que quedaron olvidados en las cunetas.

P: Hablando de vuestras trayectorias, ambos tenéis un pasado muy variado antes de llegar a esta obra. Tú, María, tienes muchos libros infantiles, y tú, Tyto, muchas biografías de gente del mundo de las artes, como Picasso, Fellini, Balthus...

María: A mí me gusta escribir y creo que cada historia necesita su camino. Empecé con álbumes infantiles como las historias de Moka y Candela, luego una novela documental y un libro de relatos. Este proyecto acabó siendo un cómic porque el formato gráfico era el mejor camino para el relato.

Tyto: Estoy acostumbrado a ilustrar biografías de personajes reales como Fellini o Picasso. Me gusta indagar e investigar. Con este proyecto cubrí también una espina que tenía clavada con mi propio abuelo, al que no había podido sacarle información de la guerra.

P: ¿En qué proyectos estáis trabajando ahora mismo?

Tyto: Acabo de terminar un ensayo divulgativo por encargo sobre ecología y los derechos de los animales, una temática diferente que me apetecía mucho tocar.

María: Por mi parte, acabo de terminar un libro de relatos de ficción para adultos y en estos momentos estoy a la espera de la respuesta de una editorial.

P: Ya para terminar, ¿cuál es vuestra sensación de estar aquí en el Viñetas desde o Atlántico presentando la obra?

Tyto: Muy bien. Yo ya había estado en una edición anterior que había coincidido en plena época de la covid, por lo que fue un año muy raro y con muchos espacios cerrados. Lo de ahora no tiene nada que ver, el ambiente es muy agradable.

María: Para mí es la primera vez y estoy encantada. Me gustó muchísimo la exposición; los espacios están muy bien pensados y la gente es superamable. Gracias por este rato para la entrevista.

El autor es el responsable del cartel de la edición 2026 de Viñetas desde o Atlántico y cuenta con exposición propia en María Pita

A Coruña.— Miguel Robledo tiene doble protagonismo en este Viñetas, por ser autor del cartel de esta edición y porque su obra centra la muestra que se puede visitar desde el 10 de agosto al 27 de septiembre en Palacio Municipal de María Pita. Autor polifacético con experiencia en ámbitos tan diversos como la animación, la ilustración, la dirección de arte y la autoría de cómic, Miguel Robledo perteneció al fundacional grupo Frente Comixario y publicó en la revista homónima (1988-1993). Trabajó después para las revistas infantiles Golfiño, Mister K y Oink!, en la revista O Fanzine das Xornadas, en las dos etapas de la revista BD Banda y en la revista A Viñeta de Schrödinger. Su influencia en varias generaciones de autores gallegos queda certificada por el Sketchbook que le dedicó el colectivo Polaqia en 2008. Participó como coguionista y colorista en el proyecto As abraiantes aventuras de Mariña (Aira, 2020-2024). Además de numerosos proyectos de ilustración editorial, campo al que se ha dedicado como director artístico de Aira Editorial, en 2024 publicó Territorio, con guion de David Muñoz.

P. ¿Cómo fueron tus inicios? ¿Siempre has querido dedicarte a la ilustración?

Comencé como lector de cómic y niño que dibujaba y que ya nunca dejó de dibujar. Comencé en Ourense en la prehistoria del cómic gallego, con un grupo que se llamaba Frente Comixario; digamos que a finales de los 80 y principios de los 90 hubo ahí como un pequeño boom inicial del cómic gallego. Y luego estuve tonteando con cómic y con otras cosas. Como autor completo acabo de estrenarme hace un par de años con Astiberri, con Territorio.

He trabajado en la gama completa: en animación, para Dygra Films y otras productoras; en publicidad; como ilustrador y director artítisco en Aira editorial; en prensa; trabajé en la época de Golfiño y revistas amateur, pero este libro ha sido mi primer álbum.

P. No solo tienes registros diversos, sino que has tocado todos los ámbitos relacionados con la ilustración: animación, ilustración, publicidad, dirección de arte… ¿Hay alguno en el que te sientas particularmente cómodo, especialmente tú?

He hecho de todo un poco, por necesidad, porque hay que pagar facturas. También, de hecho, colaboré con la escuela Faílde como tutor. Tengo un registro amplio de estilos, ya que trabajo prácticamente para toda la gama de edades. Pero la base siempre es la misma.

Noto que, aunque he ido hacia otros lados, el cómic fue lo que me marcó, fue mi primer amor.

P. ¿Cómo recibes el reto de hacer el cartel del Viñetas?

Asistí a primer Viñetas allá por el año 1998. Recuerdo ir al salón como público y, si me dices en aquel momento que iba a tener una exposición, probablemente me daría una risa de lado, y, si me dices que acabaría haciendo el cartel, pues no entraría dentro de lo creíble. Es un honor recibir esa propuesta. No lo esperaba. Quedé sorprendido por la confianza, por muchos motivos, por la lista de ilustres que han hecho el cartel y por ser A Coruña una ciudad con tantísimo talento... No puedo estar más que agradecido.

P. ¿Cómo fue el proceso creativo de la elaboración del cartel?

Lo primero que tengo hacer es agradecer y acreditar la labor de Manel Cráneo, el director del festival, porque, al ser él ilustrador, hizo un trabajo casi de director artístico. Aportó sugerencias, tuvo la idea de que la tipografía se hiciese a mano…

Yo asocio A Coruña con Lugrís, porque hice varios trabajos relacionados con él y luego estaba, claro, aquel mural suyo que estaba en una cafetería de la calle Olmos... Le hice un pequeño homenaje a Urbano Lugrís.

Había un tema marcado que tenía que estar sí o sí, el del eclipse, y para eso lo que se me vino a la mente, la influencia, fue un grabado muy famoso de un autor francés que se llama Grandville, que tiene un libro que se llama Otro mundo. Y la imagen que me influenció es muy icónica, incluso salió en una portada de un disco de Queen. Y de ahí salió esta figura moviendo planetas como si fuese una especie de malabarista cósmica, una imagen un poco surrealista.

Y, claro, la torre de Hércules, el paseo marítimo, el skyline de A Coruña, ese depósito de agua de Monte Alto... Y también intentar hacer, plasmar, esa luz rara que dicen que hay en los eclipses.

Mi hermano tuvo la oportunidad de vivir un eclipse y me insistió en que lo viese porque es algo único. Mirar hacia el sol es casi lo de menos: lo importante y lo que quise plasmar es esa sensación rara, como si de repente hubiese un fallo de sistema de luz surrealista. La naturaleza siempre tiene muy buena dirección de arte.

P. En esta edición del Viñetas tienes doble protagonismo, porque también cuentas con una exposición centrada en tu trabajo. ¿Qué se van a encontrar las personas que la visiten?

Pues Territorio, el último libro que he hecho; hay un poco del making-of. Hay planchas digitales e impresiones porque es con lo que yo trabajo, pero también incluí originales de trabajos antiguos como de lo que hice para Golfiño. Siempre me encuentro con gente en las sesiones de firmas que me cuentan que leían Golfiño y veo que dejó huella en los lectores y lectoras de hoy en día. Y luego una pequeña parte de dibujos originales que hago para desatascarme del mundo digital y desintoxicarme. Dibujos personales y una pequeña selección de ilustraciones.

Alguno de los ejemplares de la labor de Frente Comixario, un homenaje a todo lo que se hizo en aquel momento por el cómic gallego.

P. ¿El hecho de tener una experiencia muy amplia en campos muy diversos hace que abordes los proyectos desde perspectivas distintas? Por poner un ejemplo, cuando trabajas en un libro, ¿piensas en si se podría llevar a la pantalla?

Las referencias siempre se cruzan por ahí. En Territorio, por ejemplo, me di cuenta de que hay páginas que parecen un western. Las filias y las fobias siempre acaban saliendo y luego, como consumidores también que somos de pelis, animación y productos culturales, esto es inevitable.

P. Desde tu perspectiva de creador polifacético con una larga carrera ya, ¿cómo ves la evolución del cómic y la ilustración en Galicia en los últimos años?

Pues pienso que ahora es todo más fácil y más difícil a la vez. Nosotros tenemos alumnos en prácticas de la Faílde y veo que cada vez vienen mejor formados, pasan etapas más rápido. Es más fácil para ellos, en parte por Internet. También es evidente la normalización del cómic; hay muchas autoras; por fin esto ha dejado de ser el gueto que tristemente era, en el que solo había hombres. Hay una gran riqueza.

Lo que pasa es que, claro, con este panorama que digo, la porción de queso hay que repartirla entre mucha más gente. También digo que encantado. Pienso que queda mucho por hacer, pero que estamos en un buen momento.

P. ¿Crees que hay vuelta atrás en la desaparición de las revistas o hay que buscar otros medios?

Evidentemente, el tipo de trabajo de revista de kiosco desapareció, prácticamente el 100 %, pero pienso que los contenidos culturales, aunque sea a nivel de aficionado, de fanzine, siempre acaban saliendo. Lo que perdimos en el proceso de profesionalización de las revistas se gana ahora por el tema de la autoedición. Está de moda, casi es un trending.

Ahora se hacen fanzines, prints… Hay otros formatos y otros tipos de ferias en las que le pueden dar salida a su material. Entonces, por ese lado, pienso que se compensa, y la verdad es que hay ahí cosas muy bonitas. En el Viñetas, por ejemplo, está la colaboración y la actividad paralela del Autobán, que funciona como un contrapunto que no para de crecer. Todo lo que sea remar en la misma dirección, bienvenido.

Y antes dependías de visitar librerías, de viajar a otros lugares para encontrar revistas, libros, publicaciones que aquí no llegaban, y eso con Internet fue como un big bang. Ahora mismo, con Internet, hay quien se confiesa saturado y sobreinformado, pero también hay que poner en valor lo que supuso a nivel de formación y difusión.

P. Y hablando del panorama actual, queremos saber si tienes en marcha un proyecto nuevo del que nos puedas hablar.

Ahora mismo estoy en la entrega de un libro para Aira Editorial, dentro de los clásicos ilustrados. Estoy con relatos de la autora francesa Colette y en el tiempo libre ando con otro proyecto de cómic con el mismo autor que Territorio, David Muñoz.

P. Entonces, ¿el tiempo libre también lo dedicas al trabajo?

Sí, bueno, el poco tiempo que puedes buscar para desarrollar algo tratas de dedicarlo a un proyecto nuevo. En este caso, yo me quedé contento con el primer trabajo que hicimos y queremos seguir intentándolo.

P. ¿Cómo fue la acogida de Territorio? ¿Está funcionando bien en ventas y críticas?

Yo estoy contento porque es realmente una primera obra y funcionó bien, pero ahora hay que seguir. El panorama actual tiene el problema de que hay que mantener un ritmo de publicación continuo para vender. Hay, para bien y para mal, muchísima oferta; cada vez se edita mejor, pero hay tal cantidad de novedades que es difícil hacerse un hueco o que los libros perduren en el tiempo.

P. ¿Qué libros recomendarías de los últimos cómics que has leído?

No voy a ser nada original, pero el cómic que yo leo anualmente es Nausicaa, de Hayao Miyazaki, porque, además de la calidad que tiene, es una historia que no se podría haber permitido hacer en animación. Es un autor con una calidad indiscutible y ya tengo el hábito de leerlo una vez al año, y nunca me canso.